This is Not here - *//LIKE TEARS IN RAIN

Brand meets New Designer's Identity

2019年1月に行われる予定の2019-20年秋冬シーズンのメンズランウェイショー。そのプロローグとなったKris Van AsscheによるBerluti 2019年春夏カプセルコレクション

1895年、ブランドのファウンダーであるイタリア人のAlessandro Berlutiが考案したレースアップシューズ。彼の名を冠した伝統的なアレッサンドロ・オックスフォードや1962年にAndy WarholがBerlutiに注文した一足のローファーを端緒とするアンディ・ローファーは、厚底のクリーパーソールによってカジュアルに再解釈され、ブランド・シグネチャーとなる18世紀の手書きの手稿をモチーフとした"Scritto"は、ウェアやボディバッグの上にグラフィック・プリントとして現代的に採用されている。

1980年代にメンズレザーシューズの世界に多様な色を齎したOlga Berlutiによって生み出された"Patina"。今回のカプセルコレクションにおいてメンズウェアとしての伝統的な重みとストリートの快活さを両立させた深い色味の赤・青・黒のグラデーション・カラーパレットは、このパティーヌからインスピレーションを受けたもの。
ジャケットにパンツ、そして、ビジネスからウィークエンドまでのバッグたち。多くのLookに散りばめられたレザーは、シューズブランドとして創業されたBerlutiへの賛歌と言えるだろうか。

Kris Van Asscheのシグネチャーであるシワ一つないポリッシュなテーラリングは相変わらずクリーンで美しく、オールドでクラシックな方向性ではなく、Dior homme時代と等しくアーバン・スポーティにデザインされている。M/M(paris)によってリデザインされた丸みを帯びたタイポグラフィを採用した新しいブランドロゴは、クリスのミニマルでコンパクトなデザインテイストに良く合い、どこか可愛らしさと愛嬌のある表情をしているように見える。

今回、Haider Ackermannの後任となったKris Van Asscheであるが、ほとんどのアイテムはDior homme時代のクリエイションの延長線上に存在する。カプセルコレクションということもあってか、安全圏内で小気味良くシンプルにまとめられたコレクションである。

Berlutiがシューズブランドを出自とし、前任のHaider Ackermannも僅か3シーズンで交代となり、Berlutiがウェアにおいて相対的に強いアイデンティティを持たないブランドであることはクリスにとってポジティヴに働いていると言えるだろうか。シューズを中心にブランドのヘリテージに敬意を表しつつ、ウェアにおいては自分の作風をそのまま活かすことができる。

ただし、ブランドが持つアイデンティティやヘリテージ(ChanelにおけるツイードジャケットやChristian Diorにおけるバージャケット、Maison Margielaにおけるデコンストラクション、等。)は、デザイナーのクリエイションの方向性や力量によって制約にもガイド(指針)にもなり得ることに注意が必要である。制約が新しいクリエイションを誘発するように、自由であればあるほど良いという訳ではない。

彼の作風はDior homme時代に紆余曲折を経て確立されたが、多くの創り手がそうであるように作風が固まったあとはそこからどうやって変化を付けていくかが問題となる。クリスのデザインはリアリティ側に軸足を置いたオーセンティックなデザインをベースとしており、ウィメンズよりもセンシティヴで制約の多いメンズウェアの世界の中でも変化を出しにくい領域をメインフィールドとしている。そういった状況下において、ブランド・ヘリテージの泉から水を汲み出しつつ、時代の空気を捉え、自分のクリエイションをどのように変化させていけるのかが今後の課題となるだろう。

成功しているブランドや強いアイデンティティを持った歴史あるブランドのデザイナーを務めるということは、一般的にそれら過去の要素を取り入れてデザインを行うことがビジネス的にも顧客からも求められる。
Karl LagerfeldやRaf Simonsといったように器用にブランドに合わせて自身のアイデンティティとブランドの遺産を上手くマッチさせることができるデザイナーも入れば、Hedi Slimaneのようなデザイナーもいる。

そういう意味で言えば、Hedi SlimaneはSaint LaurentやCelineではなく、ウェアに強いアイデンティティを持たないブランドの方がマッチする気がするが、それでもクリエイションにおいて新しいことへの挑戦をせず、同じようなコレクションを繰り返すのであれば、やはり自身のブランドを立ち上げて一部の顧客だけを相手にするべきと言えるだろうか。それをしないということは、表向きにはもっともらしい理由を付けているにしても自分のクリエイションが再生産で長く続かないということを自覚しているからということになるだろう。一発芸で売れた芸人がいつまでも同じ芸を繰り返しているようで痛々しさを感じるのだが。

インタヴューにおいてエディは、「Celineにおいて、過去(歴史)の重さはDiorやSaint Laurentのように強くありません。我々はより簡単に過去から自由になることができる。」と話しているが、Christian DiorやYves Saint Laurentと比較すれば世の中の多くのブランドの歴史は軽いものになるでしょう。あくまでも自身が在籍していたDiorやSaint Laurentを例として挙げたのだと推察されるが、確かにCelineにはブランドを代表するような歴史ある遺産がほぼ存在しない。ただし、前任者のPhoebe Philoのデザインはそんな簡単に捨て去るべきデザインであったのか?ということはかなり疑問である。もしそのように彼が彼女の業績を評価しているのならば、あまりにも彼女を過小評価していることに他ならない。彼女が行ったことは、女性の女性による女性のためのファッションであり、ビジネス的にも利益をCelineに就任した2008年の2億ユーロから2017年には10億ユーロ程度にまで引き上げている。

そもそも、Phoebe PhiloのヴィジョンをHedi Slimaneがほんの僅かでも引き継ぐことができるかと言えば、インテリジェンスやエレガンスを描くことができない現時点の彼には不可能であり、「前任者の仕事を模倣するためにファッションハウスに入ることはない。」というインタヴュー内でのエディの発言は残念ながら自己正当化のためのエクスキューズの域を出ない。もちろん、彼女と彼のクリエイションスタイルが全く異なるということを考慮しても、である。

ビジネス側の人間もブランドの歴史や前任者のヴィジョンをもう少し考慮し、ブランドの連続性を勘案したデザイナーの人事を行う必要があるのではないだろうか。2015年頃からDemna GvasaliaとAlessandro Micheleを擁するKeringのゲリラ戦のような台頭(Hedi SlimaneによるSaint Laurentはこれらに先んじたもの。)によってハイファッションの世界は話題性重視のキッチュさが優先され、LVMHを始めとしたエレガンス領域を脅かすという構図がある。それらに対抗するため、LVMHはCelineにブランドの連続性を完全に無視したHedi Slimaneを配したのだと個人的には理解している。Dior hommeを廃して、分かり易いコラボが冴えるKim JonesによるDior Menが開始されたのも同じ文脈に位置付けることができるのかもしれない。

Keringよりも相対的にLVMHは売り上げという数字だけを追うのではなく、アーティスティック・ディレクターの意向やクリエイションに理解があり、ブランドの歴史や既存顧客を尊重できるのではないかと思っていたが、残念ながらそうではなかったようである。一般的に話題性重視のコレクションやアイテムは一過性で賞味期限が短く、中長期的に見ればそのブランドの遺産にはなりづらい。ブランドを育てるということは、その時代のデザイナーが腐心し、それが連なることで少しずつクリエイションの結晶がブランドに堆積していくことを意味する。短期利益を優先し、目先の数字だけを追いかける経営手法はブランドもデザイナーも、そして、顧客をも使い捨てにする焼き畑である。

話題のアイテムのみを求める顧客はテンポラリーな顧客であり、SNSに投稿することにしか興味が無かったりするため、そのブランドの服を長く愛したり、ロイヤルカスタマーになる可能性は低いと言える。
ある程度の成功を収めていたブランドにおいてデザイナーの交代による大幅なデザインテイストの変更によって切り捨てられたロイヤルカスタマーは、(少し大げさに書くが)同じ企業が経営するブランドを避けるようになる可能性もあるだろうか。ブランドがある程度成功していたとしても、気まぐれな経営方針の変更によってまたいつ自分たちが切り捨てられることになるか分からないのだから。そうこうしているうちに、ハイファッション自体に興味を失ってしまう顧客もいるのではないだろうか。もしそうだとすれば、焼畑経営は業界にとっても悪影響がある行為だと言える。

翻って、ブランドの歴史やデザイナーのヴィジョン、クラフトマンシップといったよく分からないものに顧客は全く興味がないという考え方もある。それらはビジネス側の人間がつくり出した耳当たりの良いマーケティングのための美辞麗句であり、そんなことを気にしているのはこの文章を書いている私と同意しながら読んでいる奇特なあなただけ、ということだ。
おそらく世の中の大半の消費者がそうであろうことに同意せざるを得ないが、そういったものを欠いてしまったファッションというものはただの集金装置であって、あまりにも軽薄なものになってしまわないだろうか。少なくとも自分が好きなファッションとは、そういうものではなかったはずなのだが。

via forbes.com vogue.com

The Business issue of Calvin Klein by Raf Simons

Raf SimonsによるCalvin Kleinがビジネス的に上手くいっていないと報道されていますね。
PVHのCEOであるEmanuel Chiricoによると、Calvin Klein 205W39NYCへの投資が失敗しており、Calvin Klein Jeansは価格帯が高くなり過ぎて計画通りのセールスに至っていないとのこと。第3四半期の利益は、クリエイティヴとマーケティング費用の増加から前年度の1億4200万ドルから1億2100万ドルに減少したようです。ちなみに売上高は前年同期比2.1%増の9億6300万ドルとなったとのこと

そもそもPVHはCalvin Kleinのブランド全体をRaf Simonsの支配下に置くことで、同じ世界観を持った統一感のあるブランドとしてリブランディングし、次のビジネスステージに移行しようとしたと思うのですが、それが失敗しつつあるということで軌道修正が求められているということですね。また、ハイエンドラインのCalvin Klein Collection(現在のCalvin Klein 205W39NYC)も長らくビジネスとして機能しておらず、ハロー効果を期待した単なるマーケティングラインであったのをラフによって変えたかったはずです。

Christian Dior時代にフレグランスやブティックのストアデザイン等を含めたブランド全体のクリエイティヴ・コントロールが欲しかったRaf Simons(年6回のコレクションが多すぎるという不満もありましたが。)とPVHの思惑が一致した結果の今回のプロジェクトでしたが、tFSでもいろいろ書かれているようにラフの権限の縮小は確定として、2019年8月まで契約が残っていますがCalvin Klein自体を辞めさせられる可能性もあるのかなと思います。

CEOが公にクリエイティヴの失敗をメディアに話すということは深刻であり、ラフが就任した当初からCalvin KleinのADキャンペーンを撮っていたWilly Vanderperre(スタイリングはOlivier Rizzo。)に代わって2019SSのキャンペーンはGlen Luchfordになると報道されていることもこれに関することが理由でしょう。

ラフの立場が危うくなるということは、ラフの長年の右腕であるCalvin Kleinのクリエイティヴ・ディレクターを務めるPieter Mulier。Pieterのボーイフレンドであり、ウィメンズのデザイン・ディレクターを務めるMatthieu Blazy。ラフのボーイフレンドであり、ブランドエクスペリエンス・シニアディレクターのJean-Georges d'Orazio。そして、長年のコラボレーターであるアーティストのSterling Rubyといった周囲のメンバーにもWilly Vanderperreと同様の影響が出てくることが予想されますね。そうなる前にラフは自ら辞めそうではありますが…。

PVHはCalvin Kleinを2020年までに世界売上高で100億ドル(現在は80億ドル強。)を達成することを目標としていますが、それがラフのミッションでもあります。大幅なブランド・オーバーホールによって、短期間で大幅に売り上げを上げるというのはそんな簡単には実現できませんが(それなりに業績も好調であり、ブランドイメージも確立していたCalvin Kleinというブランドにおいてなら尚更。)、創造的な自由が欲しければ数値として結果を出してスーツ(ビジネス側の人間)を黙らせる必要がありますね。

ラフはハイファッションの世界は経験してきていますが、マスマーケットの経験がほぼありません。そこでは難解で分かり辛いものではなく、ヒップな分かり易さが求められ、インテリジェントでエレガントなセクシャリティよりもステレオタイプでマッチョなセクシャリティが好まれ、デジタルメディアにおいて大衆にシェアされ、ライクされることを良しとする世界であります。
つまり、今の彼に求められていることはインディーズにおいてカルト的な人気を誇るだけでなく、メジャーでもチャートインするということであり、ミリオンセラーを狙うということ。個人的にRaf Simonsというデザイナーがそういったことを目指すべきなのかは甚だ疑問ではありますが。

恐らくそういった自分の立ち位置を認識し、ビジネス側からも求められたであろう結果の一端が、2シーズン続けてカーダシアン/ジェンナー姉妹を起用した(起用に同意せざるを得なかった、と書いた方が適切でしょうか。)18SSから18-19AWのCalvin Klein UnderwearのADキャンペーンということなのかもしれません。BoFによると、これはJustin Bieberの#MyCalvinsキャンペーンを再現しようとしたものでしたが、結果、Justin Bieberほどの成功はしていないとのこと。

翻って、ブランドをある一人の人物の支配下に置き、ウェアから香水、ストアデザインまでのあらゆるものを一気通貫でメディアミックス的に一つの世界観(アイデンティティ)を共有させるという戦略はブランドイメージとして整理された美しさと強度を持ちますが、Calvin Kleinというブランドの規模では機能しない戦略なのかもしれません。
もちろん、コアとなる世界観にもよりますが、基本的にディフュージョンラインがメインラインのブランド希薄化になりがちであるように、取り扱うアイテム数や展開するライン数が多い大規模なブランドにおいて統一した世界観というのはビジネス的にも無理があるのかなと。もしそうであれば、各ラインやアイテム毎に個別に顧客をセグメント化し、最適化されたクリエイティヴやマーケティングが必要とされるということで、ラフの就任前の状態に戻るということになるでしょうか。いずれにしてもこの短期間では何とも言えませんが…。

痛みを許容し、中長期でブランドの再構築を行うという選択をリスクを承知でPVHが取れればアレかもしれませんが、Calvin Klein全体でそれをやるのは当初から無理があったと言うべきですね。

過去の成功体験は創り手を慢心させるものであって、(就任当初から思っていますが)ラフにおけるCalvin Kleinプロジェクトは一気に手を広げ過ぎですね。それで上手くいけば良かったのですが、流石にマーケットはそんなに甘くないようです。PVHもGucciにおけるAlessandro Micheleのような役割をラフに求めたのは誤っていたと言えるでしょう。

Feel the Music

ピュアオーディオの世界は知識が全くないのですが、最近、YouTubeでKENRICK SOUNDという会社の映像に出会いました。
選曲が年齢層高めなのは、ターゲット層(オーディオにお金を掛けられる層)がそれぐらいの年代ということなのかなと思います。

ひこうき雲 - 荒井由実
接吻 - さかいゆう
プラスティック・ラブ - 竹内まりや
春よ、来い - 松任谷由実
川の流れのように - 美空ひばり
Hotel California - Yao Si Ting
Change the world - Eric Clapton
Get Lucky - Daft Punk

それぞれのオーディオシステムで再生した曲を撮影した映像なのですが、YouTube越しに自分のオーディオ環境(SONY MDR-1000X)で聴いても音が立体的で高音質なのが体感できます。初めて聴いたとき、普段、聴いているApple Musicとはあまりにも音質が違いすぎてゾクゾクしました。こうやってオーディオ沼に人は嵌っていくのだなと…。

上記の曲はいずれも聴き応えがありますが、その中でも本人が言及しているように、さかいゆうの接吻(ORIGINAL LOVEのカヴァー。)がJazzyで好きですね。

言うなれば、自分の目の前でヴォーカルが歌い、演奏している楽器の生音を聴いているかのような感覚。スタジオでレコーディングしている曲をそのまま聴いているような、楽曲が現前化して今まさに息吹を吹き込まれたかのような感じがしますね。収録された音源でここまで再現できるというのが素晴らしい。

ヴォーカルの歌声と楽器の音色一つ一つは分離独立し、それぞれが高分解能で高解像度で極めてクリア、それでいてお互いがお互いの良さを引き出すようにコミュニケートされ、それらが多層的に折り重なることで、生まれては時間と共に消えゆく、目に見えない、触れることもできない、ただ感じることができる音一つ一つの連続性が総体として一つの楽曲を構成していることが分かる。パーカッションや弦楽器は抜けの良い粒の揃った乾いた音を奏で、ピアノやベースは色気を纏い、ヴォーカルのブレスや唇の湿度が歌声から伝わるような。

目を閉じ、ヴォーカルが紡ぐリリックの言葉一つ一つを拾い集め、ストーリーや意味に想いを馳せ、その世界に浸り、音色の美しさにいつまでも優しく包まれていたくなる。

もはや曲を聴くというよりも、それらを感じ、ムードを味わうという表現が適切ですね。次元が違います。音楽の素晴らしさを再発見させて貰った感じですが、オーディオに投資する人の気持ちが良く理解できます。

こういう世界があることを知ってしまうと、一般のオーディオの世界はまだまだやることがあるんだなと思いますね。大規模で高価なシステムを導入しなくても、もっとコンパクトで安価にヘッドフォン等でもこういった体験が実現できる未来が来て欲しいなと思った次第です。
YouTube越しでこれだけ違いが自分でも分かったので、音源次第である程度なんとかなるのではないかなと。YouTube越しではなく、実物を前にして聴いたらもっと凄いのだと思いますが…、後戻りできなくなりそうですね。

MACKINTOSH ウールステンカラーコート GM-001F

Loro Pianaの"Storm System"を採用したMACKINTOSHのウールステンカラーコートGM-001F。
少し前にオン用のコートを買い替えたくて、いろいろ探し歩いた結果、南青山のMACKINTOSHで試着したところピンときたので買ってみた次第です。
シルエットも細身で好きな感じ。ゴム引きではないので、普通にドライクリーニングで問題ないのが良いですね。

Rainbow Bridge - Architectural Silence // SONY RX100M6, PILOTFLY C45, DaVinci Resolve Studio

以前から撮りたかったレインボーブリッジの映像をアップしました。序盤の高架のシーンは前からやりたかったものです。

いくつかのカットをよく見ると鳥が映っているのですが、もっと群れで飛んでくれたら良かったのに、といった感じですね。といっても撮影中は鳥の存在にあまり気付いていなかったりしますが…。意図しなかったものまで映っているのが実写映像らしいでしょうか。

写真を撮っていると映像のような写真を撮りたくなるのですが、逆に映像を撮っていると写真のような映像を撮りたくなる不思議な感覚があります。写真は時が止まっているのでそこに時間の連続性を与えたくなり、映像は逆に時間が流れているのでその時間を止めたくなる感じというか。表現手法のクロスオーヴァーはよくある話ですが、きっと人は手が届きそうで届かないものに手を伸ばす、ということなのかなと。可能性(という名の幻想?)をそこに見ているといった感じでしょうか。